EL
CINE DE GODFREY REGGIO
Por
Carlos Torres y Mauricio Ruiz
KOYAANISQATSI
Tema:
Ko-yaa-nis-qatsi
(de la lengua Hopi), nombre. 1. vida loca. 2. vida en tumulto.
3. vida en desintegración. 4. vida desequilibrada. 5. una
condición de vida que clama por otra manera de vivir.
Idea:
Excavar
riquezas de la tierra es cortejar al desastre
Al acercarse el día de la Purificación, se tejerán telas de
araña de un extremo al otro del cielo.
Podría ser que algún día sea arrojado del cielo un
receptáculo de cenizas que queme la tierra y evapore los
océanos.
Tipo
de Estructura: Koyaaniqatsi
es un documental híbrido entre directo, de compilación, y
naturaleza, construido con una narrativa retórica en la que nos
muestra la naturaleza, y lo que hemos adoptado como naturaleza,
naturaleza que nos defraudara cuando perdamos lo verdaderamente
esencial.
Un
jefe Seattle dijo:"Cuando el último árbol haya sido
abatido, cuando el último río haya sido envenenado, cuando el
último pez haya sido pescado, sólo entonces nos daremos cuenta
de que no se puede comer el dinero"
Pero
Godfrey Reggio no se quedo solo con las palabras sino que
trascendió hasta el silencio, así como estuvo en silencio 14
años, pero la ausencia de palabras no limita su trabajo sino
que es la fuente principal de su poder, las tomas fotografiadas
por Ron Fricke (el mismo de Baraka) que junto a Alton Walpole
realiza un montaje maestro, fortalecido por la música compuesta
por Philip Glass, todo esto hace que el público experimente lo
que Reggio experimento por 14 años, el silencio, únicamente el
limitarse a contemplar, y reflexionar lo que nos rodea.
"KOYAANISQATSI
intenta revelar la belleza de la bestia. Normalmente percibimos
nuestro mundo, nuestra manera de vivir, como bello porque no hay
nada más que percibir. Si uno vive en este mundo, el mundo
globalizado de la tecnología de punta, todo lo que uno puede
ver es una capa de comodidad sobre otra. En nuestro mundo lo
"original" es la proliferación del estandarizado.
Copias son copias de copias. Parece no existir la habilidad de
ver más allá, para ver que nos hemos encajonado en un ambiente
artificial que ha reemplazado notablemente el original, el
natural. No vivimos mas con la naturaleza; vivimos sobre esta,
apartados de ella como si lo que creamos fuera lo natural. La
naturaleza se ha vuelto el recurso para mantener esta nueva
naturaleza artificial viva"
"Esa
fue mi intención, en otras palabras permítame describir el
cuadro en una forma más general. KOYAANISQATSI no se trata
acerca de algo, ni se trata sobre un significado específico o
valor. KOYAANISQATSI es, sobre todo, un objeto animado, un
objeto en cambio temporal, el significado del mismo depende del
espectador. El arte no tiene significado en si mismo. Éste es
su poder, su misterio, su atracción. El arte es libre. Estimula
el espectador a dar su propio significado, su propio valor. Así
mientras puedo tener ésta o esa intención en crear esta
película, me doy cuenta totalmente que cualquier significado o
valor que KOYAANISQATSI pueda tener viene exclusivamente del
espectador. El papel de la película es provocar, y sugerir
preguntas que sólo el público se puede contestar. Éste es el
valor más alto de cualquier obra de arte, no predeterminó
significado, pero el significado surge de la experiencia del
encuentro entre el público y mi obra. El encuentro es mi
interés, no el significado. Si el significado es la meta, la
propaganda y la publicidad seria la forma. Así en el sentido
del arte, el significado de KOYAANISQATSI es cualquiera que
quiere hacer del mismo. Éste es su poder"
Koyaanisqatsi
esta dividida en temas que nos llevan de lo uno a lo otro a
veces en una forma sutil y en otras drástica y cortante, la
música cumple un papel trascendental en ese tipo de cambios.
Los diferentes temas afectan en distinta intensidad a todas las
personas, y aunque me parece incoherente encasillar una obra
maestra del arte en algo tan analítico y superficial, lo hago
para demostrar que la curva depende de quien la construya y no
de la película en este caso.
1.
Principio (Arte Rupestre)
2.
Orgánico (Naturaleza)
3.
Nubes
4.
Recursos
5.
Vasos
6.
Nubes (Acelerado)
7.
Destrucción
8.
Nubes & Edificios
9.
Personas Lentas
10.
La Reja
11.
Microchip
12.
Profecías
13.
Fin
14.
Definición
POWAQQATSI
"Vida
en transformación" En esta película convergen una
filosofía homocéntrica acerca de la 
tierra, y la incursión de
la tecnología en la naturaleza y las culturas antiguas,
perdiendo así el "esplendor" que encontrábamos en
Koyaanisqatsi, la película se enfoca en el concepto de aldea
global, y las diferencias que hay entre las distintas culturas,
y desigualdad social. En esta etapa Godfrey Reggio hace uso de
más imágenes de archivo combinada con imágenes propias.
NAQOYQATSI
"Vida
como guerra" ya en este film se muestra lo tecnológico en
su mayoría, los avances 
científicos y lo absurdo de las
guerras, la preparación militar, y como el hombre nace y va
cambiando ya sea para bien o para mal. Ya en esta película se
hace uso de distintos formatos al cine, vemos mucho tratamiento
digital, y muchas más imágenes de archivo. Vemos tratamiento
de imágenes, tomas cerradas, primeros planos, y el uso de gran
angulares.
Hipótesis
El
cine posmoderno de Godfrey Reggio se podría calificar con visos
de un estilo trascendental, que no se puede medir con la razón.
No busca hacernos entender algo o enseñar algo sobre la vida,
Reggio se expresa en una forma no calculada, pensada o
intelectual, y así no cae en lo panfletario, ni en la mera
propaganda sensacionalista sobre la vida.
Reggio
muestra la vida cotidiana a la que estamos acostumbrados como
algo extraordinario y ajeno valiéndose de planos generales de
imágenes en negativo, colorizadas, con efectos, cámaras
rápidas, lentas, y omitiendo el lenguaje hablado o escrito con
el animo de que veamos las cosas de una forma más clara y desde
afuera lo que vivimos a diario.
Cuando
nos quiere regresar a la realidad que estamos viviendo nos
muestra imágenes de lo trivial en planos más cerrados con los
colores naturales y sin ningún tipo de artificio para hacernos
ver lo que vivimos con naturalidad como algo nuevo.
En
el montaje la música no supera a la imagen, ni la imagen al
sonido, puesto que esta trilogía es una gran unidad en la que
todos los elementos que la componen buscan un mismo fin
narrativo que es mostrarle al público una realidad que esta en
nuestras narices pero no vemos.
La
ausencia de dialogo y palabras hace de la trilogía algo no
literal, que se basa en el subtexto, porque todo adquiere un
sentido distinto dependiendo de quien lo ve.
Justificación
Al
ver una película de Godfrey Reggio vemos el mundo real, lo
trivial y lo actualmente natural, pero hace que nos veamos en un
espejo, nos hace sentir ajenos a ese mundo de caos regido por un
orden mundial, liderado por el mal llamado primer mundo, que nos
va envolviendo en su corriente y en su decadencia mediante la
globalización. Reggio no pretende hacernos llorar, no muestra
nada inexistente, ni nos descresta con ficción ni con trucajes,
sino que no dice la verdad en la cara fría y despiadadamente,
nos lleva a querer tomar una posición, y a hacer algo al
respecto, nos insita a cambiar el estilo de vida al que nos
hemos acostumbrado. El titulo de las películas de la trilogía
QATSI nunca van al principio por que no pretende darnos a
entender lo que él piensa primero sino que nos muestra la vida
real y cuando nosotros ya hemos sacado nuestras conclusiones nos
da el significado del titulo, la traducción del concepto
original. Reggio no nos da todo desmenuzado espera a que
analicemos y entonces si nos da la conclusión suya y nos
muestra su interpretación de las imágenes.
Introducción
El
trabajo de Godfrey Reggio se ha visto marcado por un estilo
definido en el que el cine trasciende lo real, lo cultural, y lo
artístico haciendo que cualquier persona entienda la situación
en la que vivimos. Las películas de Reggio son el folleto
perfecto para venderle el planeta tierra tal y como es a
cualquiera. Muestra con lujo de detalles como es la vida aquí
en la tierra, y si nos sorprende a nosotros que vivimos en ella,
seria aun peor si lo viera alguien ajeno a esta. Estas
películas son el resumen de lo que el hombre ha hecho de la
tierra en la ultimas décadas.
Sinopsis
El
trabajo de Godfrey Reggio es en su mayoría a nuestra forma de
ver maneja un estilo entre lo trascendental y lo documental,
desligado de lo literal, de la palabra como concepto primario
del arte, él se basa en lo visual y en la música con la ayuda
de Philip Glass, gracias a su experiencia de silencio de 14
años nos ayuda a entender el mundo sin hablar, y mostrándonos
cosas que ocurren a diario pero que las ignoramos o no las
queremos ver. Reggio trabaja con lo real y esto hace que llegue
a tener mayor trascendencia que la ficción.
Biografía
Godfrey
Reggio es el inventor de un estilo fílmico que crea imágenes
poéticas de un extraordinario impacto emocional para el
público mundial. Reggio es destacado en el mundo del cine por
su trilogía QATSI, imágenes y sonido muestran el impacto
destructivo del mundo moderno en el ambiente. Reggio, que pasó
14 años en silencio y oración mientras estudiaba para ser
monje, tiene una historia de servicio no sólo al medio ambiente
sino también a la juventud, las pandillas callejeras, los
pobres, y la comunidad. Nacido en Nueva Orleans en 1940 y
creció en el sudoeste de Louisiana, Reggio entró a los
Hermanos cristianos, un orden católico romana, a la edad de 14
años. Pasó 14 años de su adolescencia en ayuno, silencio, y
oración. Vivió en Nuevo México durante los sesentas, Reggio
enseñó en escuela primaria, escuela secundaria y universidad.
En 1963 fundó Young Citizens for Action, una organización de
proyecto comunitario que ayudó a las pandillas juveniles.
Después de esto, Reggio fundó La Clínica de la Gente, que
proporcionó cuidado médico a 12.000 miembros de la comunidad
en Santa Fe, y La Gente, un proyecto organizado por la comunidad
de los barrios del norte de Nuevo México. En 1972 co-fundó el
Instituto por Educación Regional en Santa Fe, una fundación
sin ánimo de lucro enfocada en el desarrollo de los medios de
comunicación, las artes, la organización de la comunidad y la
investigación.
Koyaanisqatsi
(1983), fue el debut de Reggio como director y productor de
cine, es la primera película de la trilogía QATSI. El título
es una palabra Hopi cuyo significado indio es "vida en
desequilibrio." Creada entre 1975 y 1982, la película es
una visión apocalíptica de la colisión de dos mundos
diferentes, la vida urbana y la tecnología contra el medio
ambiente y la naturaleza. La banda sonora fue creada por Philip
Glass.
Powaqqatsi
(1988), la segunda película de Reggio, lleva una filosofía
humanista sobre la tierra, la preferencia de la tecnología
sobre la naturaleza y las culturas antiguas, y como el esplendor
desaparece como resultado de esta predilección. La película se
enfoca en el estilo de vida moderna y el concepto del
Globalización, entrelaza las texturas distintivas de las
culturas del mundo antiguo y el tercer mundo. Reggio co-escribió,
co-produjo y dirigió Powaqqatsi y la música fue compuesta por
Philip Glass entre 1985 y 1987.
En
1991 Reggio dirigió Anima Mundi, una película financiada por
Bulgari, la compañía italiana de joyas, para el Fondo Mundial
para la Naturaleza que usó la película para su Programa de
Diversidad Biológica. Acompañada por la música de Philip
Glass, Anima Mundi es un montaje de veintiocho minutos de
imágenes íntimas de más de setenta especies animales que
celebra la magnificencia y variedad de la fauna mundial.
En
1993 Reggio fue invitado a desarrollar una escuela para la
exploración y producción en las artes, tecnología, y los
medios de comunicación masivos fundado por Benetton. Llamada
Fabrica- Futuro, Presente, abrió en mayo, 1995, en Treviso,
Italia, a las afueras de Venecia. Mientras trabajó como
director inicial de la escuela en 1995, Reggio fue co-autor de
la 7 Evidencia de la película del minuto que proporciona otro
punto de vista observar el sutil pero efectos profundos de
moderno viviente en niños.
En
el 2002 Godfrey Reggio escribió, co-produjo y dirigió
Naqoyqatsi, la ultima película de la trilogía QATSI, en la que
la filosofía de vida (y guerra) y la tecnología son la esencia
de la película. Actualmente reside en Santa Fe, Nuevo México.
Desarrollo
El
cine propuesto por Godfrey Reggio es una posición realmente
posmoderna tanto para la época en que comenzó como para la
actualidad, puesto que a pesar que se influencia de las teorías
básicas de montaje, y de construcción narrativa
cinematográfica, rompe con esquemas básicos de valor de
encuadre con respecto a su intención dramática. Los planos
generales que son utilizados para establecer y ubicar al
espectador, seguidos de planos más cerrados con la intención
de detallar, según la teoría del montaje tradicional no tienen
la misma intención en esta obra puesto que al manejar una
película que en su mayoría es integrada por planos generales
construidos de tal forma que siempre están saturados de
información valiosa y cuidadosamente elegida, en muchos de
estos planos generales hay algo que descubrir gracias al
movimiento de cámara, lo que le otorga al plano general un
valor de sorpresa que supera las expectativas del publico,
debido al contenido irónico y paradójico que revela este
movimiento. El uso de los planos generales está presente con
mayor frecuencia en Koyaanisqatsi, en menor proporción en
Powaqqatsi en
donde predominan los planos más cerrados de los
brazos, las piernas, los rostros y las expresiones de las
personas y muy poco en Naqoyqatsi en donde los planos cerrado
son el fuerte del manejo visual. Al analizar el estilo de
Godfrey Reggio no se puede determinar como una constante el uso
de planos generales o primeros planos, como una característica
dominante en su estilo, sino que varia dependiendo del elemento
que sea más apropiado para la narración, así como en
Koyaanisqatsi y Powaqqatsi la sorpresa está en el plano general
que muestra el contexto de los primeros planos, en Naqoyqatsi
los primeros planos crean impacto gracias a los desplazamientos
de cámara y no se debe al paneo ni al tilt, como ocurre en las
dos películas anteriores.
Reggio
se libera del paradigma de la perspectiva y la búsqueda de la
tridimensionalidad en el cine ya que en muchos de los planos
planteados por él tienen poca profundidad de campo y
perspectiva con la firme intención de hacer ver las cosa en dos
dimensiones como en el caso del paralelo que hace entre nuestras
urbanizaciones y los microchips, o para que no distingamos los
que nos muestra como en el caso del brillo del sol en el mar que
se confunde con la estática de un televisor. Reggio se
identifica por su radicalidad en cuanto a la perspectiva ya que
en sus producciones vemos presente planos con mucha profundidad
de campo y planos completamente bidimensionales, todo con el fin
de que el espectador vea las cosas de otra manera creando en su
mente una relación de las imágenes que ve con elementos que
buscan expresar el trasfondo y la intención de la imagen
original. De esta forma los símiles que plantea son más
evidentes, aunque nos cueste a veces descifrar qué es la imagen
real y no a qué se parece, lo que sorprende al espectador al
ver la verdad desde un punto más claro. Esta misma clase de
paralelo fue lo que hizo Luis Buñuel al hacer un símil entre
los senos de una mujer cuando el hombre los toca y nos muestra
después la cola que era lo que el hombre se imaginaba o entre
el ojo y la cuchilla con la luna y la nube, o como Ron Fricke
hizo en Baráka planteando una analogía entre las jaulas de los
pollos de un criadero y los edificios de una calle concurrida de
Nueva York. Así el director nos plantea la relatividad de la
interpretación de las personas frente a un trabajo audiovisual
y frente a la realidad.
Otro
de los aspectos que caracterizan el estilo de Reggio es el
manejo de cámaras lentas y aceleradas que hacen que nos
detengamos a ver lo que comúnmente no vemos, imágenes lentas
para mostrarnos la "obesa" sociedad de consumo como
vive en una somnolencia interna desconectándose del mundo que
los rodea, y sin tener en cuenta las demás personas, o
aceleradas para mostrar el absurdo y lo superficial del los
afanes de este tiempo como nos hemos venido automatizando y auto
esclavizando en busca de ideales o modelos idóneos de llevar la
vida, impuestos por el consumismo y la publicidad. Godfrey
Reggio fue más allá del ralentí adoptado por algunos
representantes del cine impresionista de los veinte y dio otro
significado a las variaciones de la velocidad en el cine,
convirtiéndose esto en la principal característica del estilo
de Reggio puesto que esta estética se volvió una constante de
peso en su cine, manejo que se ha adoptado en su mayoría en el
video clip y muy rara vez suficientemente justificado en el cine
de ficción o documental. Otra de las variables que fortalecen
la estética del manejo de las distintas velocidades de la
imagen es la composición de la música que no cuenta algo por
aparte sino que refuerza lo que el director sentía de las
imágenes. Por eso Godfrey Reggio le pide a Philip Glass que
componga la música para un montaje previo en donde Glass
crearía la música acorde con las imágenes, y después Reggio
le hace una última versión a las imágenes con relación a la
música ya compuesta por Glass. Esto va muy de la mano con el
montaje vertical propuesto por S.M. Eisenstein que dice que al
poner las distintas escenas una al lado de la otra
(horizontalmente) y las partituras de la banda sonora, el
compás de la misma con respecto a la imagen, al igual que los
esquemas de movimiento y de representación, todo uno bajo lo
otro (verticalmente), estas se relacionan con líneas verticales
en las que coinciden en puntos clave, en los que tanto la
partitura como la imagen coinciden en tiempo y tono que lleva la
escena, y así tenemos una sincronía de tiempo, color,
movimiento, sonido, y espacio con la que sonido e imagen se
hacen un gran sintagma audiovisual.
Lo
planteado por Eisenstein es un estilo de montaje y
musicalización libre de verdades absolutas, no es un molde sino
un ejemplo del que se toma lo que nos sea útil dependiendo del
guión y la intención que el director y el músico quieran
hacerle sentir al espectador, que fue lo que Reggio y Glass
hicieron. Nada es ley, el objetivo principal es que el
espectador haga, sienta, viva, y piense lo que queramos, para
esos esta la herramienta del montaje, y el montaje vertical
propuesto por Eisenstein ayuda a que exista una diégesis, para
que el espectador tenga la interpretación más cercana a lo que
nosotros queremos que entienda. A este montaje se llegó gracias
a la relación de colaboración entre Reggio y Glass, así como
ocurrió en obras tan importantes como Alexander Nevsky, entre
Eisenstein y Edmund Meisel, o Greenaway y Michael Nyman.
La
música en la trilogía cumple un papel fundamental, las
variaciones que le imprime a la imagen son básicas para la
interpretación buscada, muchas veces la música es totalmente
anempática y asincrónica produciendo una divergencia entre lo
que esperábamos ver y lo que se nos muestra. Otras veces por el
contrario la música lleva el mismo ritmo de las imágenes
planteándonos una estrecha relación entre ambas, sin caer en
lo literal, sino más bien proponiéndonos un dialogo, una
relación sonido, imagen, que nos remite al concepto original de
concierto, en el que existe un ensamble en el que las partes
proponen y responden a lo que la otra dice. Y esto se mantiene
en las tres películas, pero no siempre se busca una sincronía
exacta sino que al igual que la imantación espacial (el sonido
así suene en monofónico uno siente que se desplaza a través
de la pantalla, el cerebro emula el estereo), el ritmo lo
creamos nosotros al ver el juego de las imágenes con la
música.
Otro
de los aspectos que hace la obra de Godfrey Reggio posmoderna,
es la liberación del cine de lo literal, lo figurativo, la
palabra y el concepto como punto inicial de la interpretación
del espectador, esta es una obra que se distingue por no
apegarse al texto y desligarse de la línea narrativa
acostumbrada.
El
subtexto es la columna vertebral de la construcción artística
de su obra, nunca busca plantearnos las cosas de una manera
directa ni busca las imágenes correspondientes para mostrarnos
algo sino que busca imágenes o situaciones que expresen la
esencia de lo que quiere decir, esto es una clase de cine no
narrativo que no pretende dar respuestas sino crear intriga y
salirse de la literatura ilustrada de la que hemos estado
supeditados por años, partiendo de ideas y no de argumentos
aristotélicamente estructurados. Como dice Jean-François
Lyotard:
-
"Lo
posmoderno seria aquello que alega lo impresentable en lo
moderno y en la presentación misma; aquello que se niega
a la consolación de las formas bellas, al consejo de un
gusto que permitiría experimentar en común la nostalgia
de lo imposible; aquello que indaga por presentaciones
nuevas, no para gozar de ellas sino para hacer sentir
mejor que hay algo que es impresentable".
La
obra de Reggio como artista postmoderno no esta regida por las
reglas preestablecidas, ni puede ser juzgada por medio de un
juicio determinante. El trabajo realizado por Reggio va más
allá de las "vanguardias" que encausaban el cine de
la época en su país en los ochentas, y tiene rasgos del cine
trascendental de Ozu, Bresson y Dreyer, que sobrepasa las
temáticas comunes e incluso la religión, el basar su obra en
las profecías Hopi hace que la gente tenga una relación más
lejana con la parte literal de la película y de la cultura
tanto oriental como occidental moderna. Las películas de Reggio
fueron creadas para manifestar una parte específica de la vida
del hombre, un nivel de la creación aún no percibida, podría
decirse que el fin de esta trilogía no es la taquilla, ni el
reconocimiento, sino manifestar el sentido de la vida y de la
existencia humana, o darle a entender a la humanidad lo que
debería hacer, o por lo menos confrontarla con sus hechos. Y
esta es la materia prima incorpórea con la que trabaja y que lo
hace distinto de los demás.
Una
de las características más importantes del cine de Godfrey
Reggio la describe Tarkovski cuando dice que el nacimiento de
una imagen artística, cerrada, creada y existente a otro nivel,
a un nivel no intelectual, no puede ser explicado por medio de
un proceso empírico de conocimiento con ayuda del intelecto. Y
cuando un artista crea su imagen está asimismo superando su
pensamiento, que es una nada en comparación con la imagen del
mundo captada emocionalmente, imagen que para él es una
revelación. Pues el pensamiento es efímero y la imagen,
absoluta. Por eso se puede hablar de un paralelismo entre la
impresión que recibe una persona espiritualmente sensible y una
experiencia exclusivamente religiosa. El arte incide sobre todo
en el alma de la persona y conforma su estructura espiritual.
Porque teniendo en cuenta que Reggio se refiere a temas
espirituales que afectan lo natural, estos no se pueden medir en
forma racional ni mucho menos categorizar intelectualmente. Así
mismo la interpretación y la manera en que la obra de Reggio
marca al publico, es algo más allá de lo meramente técnico,
sino que trasciende culturas, idiomas y religiones, afectando
directamente el espíritu y la conciencia de los espectadores.
Por el contrario muchas veces los artistas se han dirigido al
intelecto de las personas, y lo que han conseguido es afectar en
una forma pasajera y superficial, que no va más allá de unos
artículos y reconocimientos públicos.
Al
desenlazarse de lo intelectual, lo racional, lo tridimensional,
de las teorías clásicas y hasta del formato de cine, el color
es utilizado en una manera más libre durante la evolución de
la trilogía pasando por colorizaciones análogas, hasta llegar
a la construcción de fractales, y composiciones a veces
aleatorias y espontáneas de color y forma. Como nos plantea
Estanislao Zuleta en "Arte y filosofía" la diferencia
entre la pintura abstracta y la pintura figurativa, la libertad
que alcanzan los colores en la pintura abstracta, el significado
que pueden tener y se convierte en un elemento más de
narración en el trabajo de Reggio. No solamente el color y su
significado también su manejo en cuanto al tono y el contraste,
que son variables que afectan directamente la interpretación
del publico ya sea polarizando dos conceptos abriendo una brecha
en su interpretación u homogenizando ideas contrarias, razas y
religiones con el fin de romper las barreras que existan sin que
pierdan su tono original y su identidad; como si al hacer una
fotografía de un hombre blanco y un hombre negro se buscara un
alto contraste, se estaría planteando una separación y hasta
una rivalidad entre ambos sujetos y lo que representan, o si por
el contrario se busca un bajo contraste, se equiparan las
diferencias sin perder su tono original. Esto hace parte de la
composición de las imágenes de los encuadres de Reggio, en los
que muchas veces no definimos formas sino que solo se ven
colores, mientras va evolucionando el encuadre, y se nos va
revelando lo que verdaderamente es mediante un paneo, un tilt, o
al abrir el plano, el manejo de los planos varia si son tomados
desde el cielo o más abajo, los que son encuadres más cercanos
a la tierra muchas veces son saturados de información de
distintas clases y formas, en cambio los más altos están
construidos con formas más homogéneas.
Godfrey
Reggio varia en la composición de sus planos no se rige
únicamente por la proporción áurea, ni la ley de tercios, o
los otros paradigmas teóricos, si no que al tener la ventaja
del movimiento compone los encuadres de tal forma que lo
importante no es su belleza estética ni la información directa
que conlleva si no su relación con quien la ve. En planos como
el de la luna con el edificio plantea una composición evolutiva
y armoniosa entre la naturaleza y la civilización, el hecho que
el edificio se vea más grande y la luna pase por detrás lleva
una carga de información que muchas veces el espectador no
entiende, al quedar deslumbrado por la belleza estética de tal
combinación. Cosa que no ocurre con el plano del niño que se
pierde en la nube de polvo que deja el camión cuando pasa a su
lado porque inmediatamente nos lleva a reflexionar del fondo de
lo que significa este plano, que estructuralmente son parecidos,
utilizan talvez los mismos elementos, lo natural contra lo
artificial, lo creado por el hombre, pero por los movimientos de
estos elementos cambia completamente si significado, o como
cuando nos muestra los soldados en negativo, no nos invita a
admirar la belleza del encuadre, sino a reflexionar sobre este y
a preguntarnos por que en negativo. En muchos casos lo que busca
Reggio es que uno no se fije en el plano y su construcción sino
que el espectador mismo le de una interpretación y escudriñe
el subtexto de esta.
Al
tener planos en los que no se definen formas claras en un
principio, el trabajo del encuadre que hace Reggio en la
trilogía, adopta también en parte la relación de los objetos
que componen el encuadre, como lo hizo Kandinsky en su obra, y
esta relación entre formas orgánicas y estructurales se ve en
todo el trabajo de Reggio, el contraste de colores y formas
entre lo natural y lo artificial es algo siempre presente.
Hablando
de la parte grafica en la composición y de el plano como unidad
grafica, la línea es uno de los aspectos más importantes que
rigen el cine de Reggio, y que va evolucionando con el pasar de
los años y el "avance" o la "involución"
de la sociedad tema que trataremos más adelante, la línea
intrínseca de los planos o del movimiento que describan,
determina el significado de los planos de sus películas, todo
nos lleva a hacer una lectura tal vez más allá de lo que el
autor pensó pero que intencional o no, lleva una carga
narrativa que amerita una asimilación más profunda de lo
meramente superficial. Los movimientos de cámara nos describen
líneas verticales mientras vemos las grandes maravillas de la
naturaleza, lo que nos sugiere la relación de lo divino con lo
terrenal o de la naturaleza con el hombre, esto decae en planos
de cámara fija con líneas descritas por los objetos que se
mueven horizontalmente dentro del encuadre, creando efectos
visuales como los espaguetis creados por el barrido de los
carros, o refiriéndonos a una relación puramente horizontal de
igual a igual y notablemente humanista. Esto que se presenta en
Koyaanisqatsi, cambia en la segunda de la trilogía, en la que
dominan las cámaras quietas con las líneas diagonales
descritas por las personas que caminan dentro del encuadre, lo
que se transforma en Naqoyqatsi en cámaras con desplazamientos
laterales que describen líneas horizontales, en gran angular a
diferencia de las ópticas largas usadas en las otras dos
películas.
Lo
anterior nos lleva a profundizar en la relación
"evolutiva" o "decadente" de las películas
que integran esta trilogía, para muchos, a simple vista, les
parece que denota la falta de recursos visuales a utilizar, y la
decadencia del cine revelador e innovador de Reggio, pero si
vamos más allá, la utilización de imágenes digitales, el
reiterar en una imagen, y el uso de recursos no analógicos,
tienen un mayor peso al mostrar un mundo frívolo,
esquematizado, regido por los esquemas insubstanciales y los
paradigmas del modelo de sociedad impuesto por el "primer
mundo", opuesto a las culturas antiguas, las religiones, la
naturaleza, y el hombre mismo. Así es como ve Reggio la vida
regida por la guerra que se impone en la actualidad. El problema
no es la guerra sino la posición que el hombre ha asumido ante
esta, el ignorar las consecuencias de sus actos en el mundo, en
su espíritu y el cosmos. Como lo digital, lo automatizado, y lo
instantáneo han desplazado lo natural e ideal que nos da la
tierra para nuestro sustento. Un aspecto nuevo en Naqoyqatsi son
los movimientos en profundidad o travelling in, en los que el
espectador se sumerge en fractales coloridos que lo envuelven al
ritmo de la música. Pero lo profundo de esto es que los
fractales son abstraídos de la naturaleza pero emulados por un
computador en su totalidad, tono, color, cambios, y
"perfeccionamiento". Elemento narrativo que nos habla
de cómo el hombre suple lo que le cautiva de la naturaleza en
una forma digital, y como imita lo natural en sus composiciones
o creaciones sin caer en cuenta que ya nos puede ser dado por la
naturaleza misma.
El
trabajo de Reggio a nuestra manera de ver tiene el mismo
objetivo de directores de películas como: Microcosmos, Baráka
y el trabajo de fotógrafos como Yann Arthus Bertrand, quienes
manejan una estética muy parecida y buscan hacer recapacitar al
mundo sobre asuntos trascendentales en nuestras vidas,
mostrándonos la cara del mundo que no vemos mediante
composiciones demasiado estructuradas y también mediante
imágenes que por casualidad o prodigio de la naturaleza y Dios
mismo se lograron captar en el momento preciso, ese momento
preciso del que tanto hablaba Cartier Bresson.
Reggio
no quiere dar un discurso existencialista, ni convencernos de
que lo que él piensa es lo correcto, si no que a medida que nos
cuestiona acerca de los distintos temas que rigen nuestra vida,
nos encausa a pensar algo o por lo menos a reflexionar sobre
estos, pero no solo se queda en eso sino como dice Tarkovski
"la finalidad del arte consiste más bien en preparar al
hombre para la muerte, conmoverle en su interioridad más
profunda", y así nos lo muestra Reggio, la sociedad
autodestruyéndose y acabando con los recursos no renovables que
nos quedan, cuando vemos la obra de Godfrey Reggio no vemos lo
que él nos quiere decir sino lo que lo inspiró para decirlo,
él no nos habla de forma directa sino como dice Engels:
"Cuanto más escondidas estén las intenciones del autor,
tanto mejor para el arte". Una obra como la trilogía Qatsi
maneja un equilibrio entre sus partes no quedándose en lo
bello, lo natural, sino evolucionando hacia las consecuencias y
el posible futuro cercano que tendremos, a una obra como esta no
nos podemos acercar con el animo de emitir juicios, sino
esperando recibir todo lo que la obra tiene para nosotros y
hasta en dado caso llegar a una catarsis. El arte que propone
Godfrey Reggio no pretende enseñar nada a nadie ni adoctrinar a
una forma de pensamiento como lo pretenden otros, no pretende
ser partidista para poder ser realmente verídico.
Conclusiones
El
estilo de Godfrey Reggio se ve enmarcado en una tendencia
trascendental, posmoderna y no narrativa, con características
claras que se ven reflejadas a través de toda su obra como
cineasta. El manejo de la velocidad en las imágenes como
elemento narrativo y rítmico, el tratamiento visual que le da a
cada una de las imágenes usadas y su manejo en relación con la
música tanto en su composición como en el montaje.
Su
incesante interés por los temas espirituales, y como esto
afecta la relación del hombre con todo lo que lo rodea. La
preocupación por todo lo relacionado con la naturaleza y su
constante lucha, relación, y oposición con la monstruosa y
acaparadora tecnología. La importancia de su compromiso con la
humanidad de difundir el mensaje del cual es responsable y el
manejo que da a lo cotidiano para mostrarlo como algo
extraordinario y novedoso abriendo los ojos del publico a una
nueva forma no solo de ver la vida sino también de vivir.
(*)
(*)
Fuente: Carlos
Torres y Mauricio Ruiz, "El cine de Godfrey Reggio",
investigación realizada en el contexto del Politécnico Grancolombiano,
Medios Audiovisuales, Bogotá D.C., 2005
(para comunicación con los autores: ironmauro@gmail.com
; cagatota@gmail.com
)
